RESUMEN CINEMATOGRÁFICO DE 2011

Antes del anuncio de la nominaciones parecía que estos Oscars iban a ser una carrera a tres: “La red social”, que estaba arrasando en los premios de la crítica –incluidos los Globos de Oro-; “Origen”, que tenía una base de fans enorme (y muy fanática); y “El discurso del rey”, que comenzaba a llamar la atención. Con las nominaciones, las cosas cambiaron. “Origen” logró 8 nominaciones, pero al escapársele la de Mejor Director, perdió toda opción de ganar el de Mejor Película. “La red social”, con 8 nominaciones, seguía manteniendo sus posibilidades. “El discurso del rey” fue la más nominada, con 12; y la gran sorpresa fue “Valor de ley (True Grit)”, con la que nadie contaba, y que se coló en 10 categorías, incluida Mejor Película y Mejor Director.
Afortunadamente, en las semanas que separaron las nominaciones de la ceremonia, “El discurso del rey” se fue poniendo de moda y ganando todos los premios posibles; y para cuando llegó la entrega de premios, ya era la gran favorita. “El discurso del rey” ganó 4 Oscars: Película, Director, Actor -para un impresionante Colin Firth-, y Guión Original. “El discurso del rey” es imperfecta, pero le llega a mucha gente (a mí entre ellos) por una historia de amistad y de superación muy bonita y tres actuaciones sobresalientes. Entre las 10 nominadas a Mejor Película, sólo “Toy Story 3” y “Cisne negro” me parecen superiores a “El discurso del rey”.
“La red social”, que es una película que se ama o se odia (a mi me parece un truño aburridísimo), se conformó con los de Montaje, Guión Adaptado, y Banda Sonora Original. La muy sobrevalorada “Origen” ganó 4: Fotografía, Montaje de Sonido, Mezclas de Sonido y Efectos Especiales. Y “Valor de ley (True Grit)”, tras la sorpresa de las nominaciones, se convirtió en la gran perdedora, al irse sin ningún premio.
Natalie Portman ganó el de Mejor Actriz por su portentosa actuación en “Cisne negro”; mientras que “The Fighter” se llevó los de los actores secundarios: Christian Bale y Melissa Leo. Para esas categorías me gustaban más los candidatos de “El discurso del rey” (Geoffrey Rush y Helena Bonham Carter), pero hay que reconocer que Bale y Leo hacen grandes actuaciones.
   Pixar ganó su sexto Oscar a Película de Animación por “Toy Story 3”, algo impresionante si tenemos en cuenta que sólo se han entregado 10 Oscars en esa categoría. “Toy Story 3” también ganó el de Canción Original. El Oscar para el Mejor Documental fue para “Inside Job”, un film que analiza los orígenes de la actual crisis económica; y Dinamarca ganó el de Película de Habla no Inglesa con “En un mundo mejor”, de Susanne Bier (en esa categoría “Incendies”, de Denis Villeneuve, que competía por Canadá, era infinitamente mejor). Y Rick Baker logró su séptimo Oscar por el maquillaje de “El hombre lobo”.
El 13 de noviembre de 2010 se celebró la 2ª ceremonia de los premios Governors, que son los Oscars Honoríficos, que fueron para Kevin Brownlow, Jean-Luc Godard y Eli Wallach; y el premio Irving G. Thalberg para Francis Ford Coppola.
Kevin Brownlow es un cineasta, historiador de cine y autor especializado en el cine mudo, preocupándose para que esa etapa del cine no caiga en el olvido y restaurando películas. Brownlow comenzó a entrevistar a artistas del mudo en los 60, y desde entonces ha dirigido documentales sobre Abel Gance, el Hollywood de los años 20, Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, D.W. Griffith, el cine europeo desde sus orígenes hasta los años 40, Lon Chaney, y Cecil B. DeMille.
Jean-Luc Godard ayudó con sus colegas de la Nouvelle vague a finales de los 50 y principios de los 60 a revolucionar el mundo del cine. Eran un grupo de jóvenes muy cinéfilos (Godard fue crítico antes que director, como varios de sus compañeros) que rompieron con las formas convencionales de narrar historias. En la actualidad, quitando las de François Truffaut, esas películas han envejecido mucho y son aburridísimas; pero sin ellas, no tendríamos el cine actual. Godard debutó en el largometraje con “Al final de la escapada” en 1960, que sigue siendo su film más famoso (y que yo aborrezco con todas mis fuerzas).
Eli Wallach es un actor secundario que comenzó en la televisión 1951, y que ahora con 95 años, sigue activo. Por “Baby Doll” (1956), de Elia Kazan, ganó el Globo de Oro a Actor Secundario y el BAFTA a Actor Revelación. De su filmografía destacan “Los siete magníficos” (1960), de John Sturges; “Vidas rebeldes” (1961), de John Huston; “La conquista del Oeste” (1962), en un segmento dirigido por Henry Hawthaway; “Cómo robar un millón y…” (1966), de William Wyler; “El bueno, el feo y el malo” (1966), de Sergio Leone –Wallach era el feo-; “El padrino III” (1990), de Francis Ford Coppola; “Mystic River” (2003), de Clint Eastwood; y “Wall Street: El dinero nunca duerme”, de Oliver Stone.
El premio Irving Thalberg se entrega a productores en reconocimiento a su carrera. Aunque la estatuilla es un busto de Thalberg, un productor importantísimo durante los años 20 y 30, se la considera un Oscar Honorífico; y este año recayó en Francis Ford Coppola. Como productor, Coppola ha producido varias de sus películas (“La conversación”, “El padrino II y III”, “Apocalypse Now”, o “Drácula de Bram Stoker”), y ayudó a consolidar la carrera de George Lucas (produjo “THX 1138” y “American Graffiti”) y de su hija Sofia Coppola (“Las vírgenes suicidas”, “Lost in Translation”, “María Antonieta” y “Somewhere”).
Coppola también ha producido a Roger Corman, quien fue su mentor (“El terror”), Peter Bogdanovich (“Luna de papel”, sin acreditar), Akira Kurosawa (“Kagemusha, la sombra del guerrero”), Win Wenders (“Hammett”), Paul Schrader (“Mishima”), Agnieszka Holland (“El jardín secreto”), Kenneth Branagh (“Frankenstein de Mary Shelley”), Tim Burton (“Sleepy Hollow”) y Robert De Niro (“El buen pastor”).

Julie Delpy es sobre todo conocida como actriz, pero también escribe guiones y dirige películas. La última película en la que hace las tres facetas, “Le Skylab”, ganó el Premio Espacial del Jurado, y trata de una reunión familiar en los 70, cuando se esperaba que cayera el Skylab. El griego Filippos Tsitos, por “Adikos kosmos” (“Unfair World”), se llevó el premio al Mejor Director, sobre un policía que mata a un guarda de seguridad corrupto y la posterior relación que mantiene con la único testigo del crimen. Antonis Kafetzopoulus, el protagonista, se llevó el premio al Mejor Actor. El de Mejor Actriz recayó en María León, que en España es conocida por varias series de televisión, por “La voz dormida”, la adaptación de Benito Zambrano de la novela de Dulce Chacón.
El Premio Donostia fue para la excelente actriz Glenn Close. En cine la carrera de Close tocó techo en los 80 cuando bordaba papales de mujeres pérfidas y muy duras e inteligentes; en esa década estuvo nominada 5 veces a los Oscars (las más conocidas son “Atracción fatal” y “Las amistades peligrosas”). Ahora sigue trabajando en ese medio (este mismo año está nominada a 2 Globos de Oro por protagonizar y escribir la canción de “Albert Nobbs”, donde hace de una mujer que se traviste de hombre para trabajar de mayordomo en el siglo XIX), pero últimamente se centra más en la televisión. (En cine tiene la pega que Meryl Streep se ha puesto a hacer de mala en papeles que eran perfectos para Close: “El mensajero del miedo”, “El diablo viste de Prada”, o “La duda”.) Por sus trabajos en televisión –“The Shield” y “Daños y perjuicios” entre ellos- Close tiene 3 Emmys y 10 nominaciones más y 2 Globos de Oro, y sumando sus trabajos en cine y televisión, Close ha sido nominada 10 veces más a los Globos de Oro.

IN MEMÓRIAM

PEDRO ARMENDÁRIZ JR. (6 de abril de 1940, Ciudad de México, México – 26 de diciembre de 2011, Nueva York, EE.UU.). Actor. Armendáriz era hijo de Pedro Armendáriz, un actor mexicano importantísimo durante los años 40 y 50. Como su padre, Armendáriz Jr. logró trabajar en Hollywood en papeles secundarios, que son los que le hicieron muy reconocible fuera de su país. Apareció en las dos películas de El Zorro con Antonio Banderas (curiosamente hacía dos papeles distintos); en “Gringo viejo”, de Luis Puenzo, donde hacía de Pancho Villa, un personaje que su padre interpretó en varias ocasiones; “Amistad”, de Steven Spielberg; “El mexicano”, de Robert Rodríguez; “The Mexican”, de Gore Verbinski; o “Licencia para matar”, un 007 con Timothy Dalton (su padre apareció en un James Bond con Sean Connery, “Desde Rusia con amor”).

JOHN BARRY (3 de noviembre de 1933, Yorkshire, Inglaterra, Reino Unido – 30 de enero de 2011, Nueva York, EE.UU. 77 años). Compositor. John Barry se hizo famoso componiendo las bandas sonoras, desde 1962 a 1987, de doce films de James Bond (aunque el famosísimo tema de James Bond no es suyo, sino de Monty Norman). Barry ganó 5 Oscars: dos por la canción y la banda sonora de “Nacida libre”; y otros tres por las bandas sonoras de “El león en invierno”, “Memorias de África”, de Sydney Pollack, y “Bailando con lobos”, de Kevin Costner. Barry también fue nominado por la música de “María, reina de Escocia”, y “Chaplin”, de Richard Attenborough. Del resto de su filmografía destacan “La jauría humana”, de Arthur Penn, “Cowboy de medianoche” (sin acreditar), de John Schlesinger, “Robin y Marian”, de Richard Lester, “Fuego en el cuerpo”, de Lawrence Kasdan, y “Cotton Club”, de Francis Ford Coppola.

«Lo que queda del día»

JOHN CALLEY (8 de Julio de 1930, Nueva York, EE.UU. – 13 de septiembre de 2011, Los Ángeles, California, EE.UU. 81 años). Productor. De 1968 a 1981 Calley fue uno de los ejecutivos de la Warner Bros., y gracias a su labor allí, está considerado una de las personas más influyentes en crear el nuevo Hollywood. Durante esos años, la Warner produjo film como “El exorcista”, de William Friedkin; “Todos los hombres del presidente”, de Alan J. Pakula;  “Superman”, de Richard Donner; o “Carros de fuego”. Como productor Calley consiguió la única nominación al Oscar a Mejor Película de su carrera por la excelente “Lo que queda del día” (1993), de James Ivory; y del resto de su filmografía destacan las películas que produjo a Mike Nichols (“Trampa 22”, “Postales desde el filo”, y “Closer”), y los blockbusters basados en los best-sellers de Dan Brown, “El código Da Vinci” y “Ángeles y demonios”, ambos de Ron Howard.

 

Chico en «Abuelo made in Spain»

FLORINDA CHICO (24 de abril de 1926, Badajoz, Extremadura, España – 19 de febrero de 2011, Madrid, España. 84 años). Actriz. Florinda Chico tuvo una carrera larguísima, de más de cinco décadas, en cine, teatro y televisión, y desde mediados de los años 60, con su oronda figura, fue una de las actrices secundarias más populares de España, sobre todo por sus trabajos cómicos. Florinda Chico se convirtió en una habitual de las películas de Mariano Ozores, con el que trabajó 22 veces (en una chabacanada de Ozones no podían faltar ni Antonio Ozones ni Florinda Chico). De sus trabajos dramáticos destacan “Cría cuervos”, de Carlos Saura; y “La casa de Bernarda Alba”, de Mario Camus.

 

Cooper en «La pandilla»

JACKIE COOPER (15 de septiembre de 1922, Los Ángeles, California, EE.UU. – 3 de mayo de 2011, Santa Mónica, California, EE.UU. 88 años). Actor. Jackie Cooper fue el primer niño actor en estar nominado al Oscar al Mejor Actor; sucedió en 1931, cuando Cooper sólo tenía 9 año, y lo hizo por “Skippy”. Para entonces Cooper ya era famoso por ser unos de los miembros de “Our Gang”, una serie de cortos cómicos que mostraban las aventuritas de un grupo de niños pobres (en España fueron muy populares en los 80; se emitían en “La bola de cristal” con el nombre de “La pandilla”). En los años 70 y 80 Cooper volvió a ser popular gracias a hacer del director del “Daily Planet” en las películas de Superman con Christopher Reeves (1978-1987). Cooper también apareció en episodios de “Colombo”, “Ironside”, “Kojak” y “Se ha escrito un crimen”; y produjo telefilms y dirigió episodios de series de televisión, en ellas “M.A.S.H.”.

Falk en «Colombo»

PETER FALK (16 de septiembre de 1927, Nueva York, EE.UU. – 23 de junio de 2011, Beverly Hills, California, EE.UU. 83 años). Actor. El teniente Columbo (Colombo en España) además de resolver crímenes durante varias décadas en la tele, tuvo una carrera en el cine. Falk estuvo dos veces nominado al Oscar como actor secundario: “El sindicato del crimen” (1960) y “Un gángster para un milagro” (1961), la última película de Frank Capra. Falk también trabajó en “La carrera del siglo”, de Blake Edwards, “Una mujer bajo la influencia”, de John Cassavetes, “La princesa prometida”, de Rob Reiner,  y “El cielo sobre Berlín”, de Wim Wenders.

ANNIE GIRARDOT (25 de octubre de 1931, París, Francia -28 de febrero de 2011, París, Francia. 79 años). Actriz. Annie Girardot fue una actriz muy popular en Francia, sobre todo en los años 70. Girardot trabajó en cine, teatro y televisión y donde ganó tres premios Cesar (uno a Mejor Actriz por“La vida privada de una doctora”; y dos a Mejor Actriz Secundaria por “Testigo de excepción” de Claude Lelouch, y “La pianista”, de Michael Haneke) y estuvo nominada a un cuarto (Mejor Actriz por “Una mujer sola”). Annie Girardot debutó en 1955, pero se consagró cinco años después con “Rocco y sus hermanos”, de Luchino Visconti, en un papel por el que estuvo nominada al BAFTA a Mejor Actriz Extranjera. Con Visconti volvió a repetir en “La brujas” (1967), pero con el director que más trabajó fue Claude Lelouch, en cinco ocasiones. También trabajó con Mario Monicelli (“Camaradas”), Marco Ferreri (“Se acabó el negocio”, “Dilling ha muerto” y “El semen del hombre”), Marcel Carné (“Tres habitaciones en Manhattan”, Copa Volpi a Mejor Actriz en el Festival de Venecia), Luigi Comencini (“El gran atasco”) y Michael Haneke (“La pianista” y “Caché (Escondido)”).

Gough en «Batman»

MICHAEL GOUGH (23 de noviembre de 1916, Kuala Lumpur, Malasia británica – 17 de marzo de 2011, Londres, Reino Unido. 94 años). Actor. Gough se hizo famoso en la década de los 60 haciendo de villano en películas de terror británicas (algunas de la mítica Hammer): “Horrors of the Black Museum”, “Konga”, “Garras asesinas”, “El circo del crimen” y “Trog”, las dos últimas con Joan Crowford. Gough también apareció, en papeles secundarios, en “Drácula” y “El fantasma de la ópera”, ambas de Terence Fisher; “Mujeres enamoradas”, de Ken Russell, “Los niños del Brasil”, de Franklin J. Schaffer, “Memorias de África”, de Sydney Pollack, y “La edad de la inocencia”, de Martin Scorsese. La nuevas generaciones le conocen sobre todo por su papel de Alfred, el mayordomo de Bruce Wayne en las películas de Batman de Tim Burton (“Batman” y “Batman vuelve”) y Joel Schumacher (“Batman Forever” y “Batman & Robin”) hechas en los 90. Tim Burton le sacó de su retiro para que hiciera un papelito en “Sleepy Hollow” y pusiera la voz a sendos personajes en “La novia cadáver” y “Alicia en el País de las Maravillas”.

 

Granger en «La soga»

FARLEY GRANGER (1 de julio de 1925, San José, California, EE.UU. – 27 de marzo de 2011, Nueva York, EE.UU. 85 años). Actor. Granger es conocido sobre todo por sus dos colaboraciones con Alfred Hitchcock: “La soga”  (era uno de los asesinos) y “Extraños en un tren” (era el que no era asesino). Granger también trabajó con Nicholas Ray (“Los amantes de la noche”) y Luchino Visconti (“Senso”). En los 70 fue a vivir a Roma, y de esa etapa su trabajo más famoso es “Le llamaban Trinidad”, al lado de Bud Spencer y Terence Hill.

Isbert en «Viridiana»

MARÍA ISBERT (21 de abril de 1917, Madrid, España – 25 de abril de 2011, Albacete, Castilla-La Mancha, España. 94 años). Actriz. A pesar de la larguísima carrera (comenzó en 1944 y se jubiló en 2010) que tuvo en cine, teatro y televisión, y de tener una vis cómica enorme, María Isbert, que era una estupenda actriz secundaria, nunca logró del todo separarse de su padre y siempre se la considerará la hija de Pepe Isbert. María Isbert apareció en “Viridiana” (1961), de Luis Buñuel; “La gran familia” (1962); “El verdugo” (1963), de Luis García Berlanga; “Más bonita que ninguna” (1965), un vehículo de lucimiento para Rocía Dúrcal; “Un, dos, tres, al escondite inglés” (1970), de José Luis Borau e Iván Zulueta; “Tiempo de silencio” (1986), de Vicente Aranda; y “El bosque animado” (1987) y “Amanece, que no es poco” (1989), ambas de José Luis Cuerda; entre otra muchas.

 

«Zorba, el griego»

MIHALIS KAKOGIANNIS, también conocido como MICHAEL CACOYANNIS (11 de junio de 1922, Limassol, Chipre – 25 de julio de 2011, Atenas, Grecia. 89 años). Director. Kakogiannis posiblemente sea el director griego más famoso de la historia. “Zorba, el griego” (1964) es de Kakogiannis, y por ella estuvo nominado a 3 Oscars: Mejor Director, Mejor Película y Mejor Guión Adaptado (los dos primeros fueron para “My Fair Lady” y el de guión para “Becket”); y la película ganó 3 estatuillas (Fotografía en Blanco y Negro; Dirección Artística en Blanco y Negro y Actriz Secundaria, Lila Kedrova) y tuvo una nominación a Mejor Actor, para Anthony Quinn. Kakogiannis logró otras dos nominaciones, ahora en la categoría de Película de Habla no Inglesa, con “Electra” (1962. Gran Premio del Jurado en Cannes), e “Ifinegia” (1977), ambas con Irene Papas. Su primera película, “Stella” (1995), con Melina Mercuri, ganó el Globo de Oro a Película Extranjera.

 

«12 hombres sin piedad»

SIDNEY LUMET (25 de junio de 1924, Filadelfia, Pensilvania, EE.UU. – 9 de abril de 2011, Nueva York, EE.UU. 86 años). Director. Lumet fue el primero de una serie de directores, Arthur Penn y John Frankenheimer entre ellos, que comenzaron trabajando en la televisión en los 50, y que cuando se pasaron al cine, aplicaron técnicas que habían aprendido en ese medio, haciendo que las películas fueran mucho más realistas y plantando las semillas del nuevo Hollywood de los años 70. Lumet, que fue muy prolífico e irregular, destacaba por lograr grandes actuaciones de sus repartos y un gran amor a Nueva York. Sidney Lumet comenzó su carrera cinematográfica con una gran película, “12 hombres sin piedad” (1957) y la cerró con otra, “Antes que el diablo sepa que has muerto” (2007). Entre medias fue nominado al Oscar en 5 ocasiones (por la dirección de  “12 hombres sin piedad”, “Tarde de perro”, “Network”, y “Veredicto final”; y el guión adaptado de “El príncipe de la ciudad”), y en 2005 le concedieron el Oscar Honorífico. De sus trabajos también destacan “Serpico”, con Al Pacino; y “Asesinato en el Orient Express”, una multiestelar adaptación de la novela de Agatha Christie.

Postlethwaite en «En el nombre del padre»

PETE POSTLETHWAITE (7 de febrero de 1946, Warrington, Inglaterra, Reino Unido – 2 de enero de 2011, Shropshire, Inglaterra, Reino Unido. 64 años). Actor. Postlethwaite fue un excelente actor secundario, con un físico muy peculiar: pómulos muy pronunciados y una mirada muy penetrante. Postlethwaite comenzó su carrera en los escenarios en los años 70 y pasó a trabajar en la televisión en los 80. Su gran momento llegó en 1993, como hijo de padre de Daniel Day-Lewis en “En el nombre del padre”, de Jim Sheridan; una gran actuación por la que estuvo nominado al Oscar al Mejor Actor Secundario. Postlethwaite apareció en “Amistad” y “El mundo perdido: Jurassic Park”, ambas de Spielberg; “Sospechosos habituales”, de Bryan Singer; “Romeo y Julieta”, de Baz Luhrmann, “El jardinero fiel”, de Fernando Meirelles; “Origen”, de Christopher Nolan; o “The Town. Ciudad de ladrones”, de Ben Affleck. 

Robertson en «Charley»

CLIFF ROBERTSON (9 de septiembre de 1923, La Jolla, California, EE.UU. – 10 de septiembre de 2011, Nueva York, EE.UU. 88 años). Actor. Robertson debutó en el cine, tras unos años trabajando en la televisión, en 1955 con “Picnic”, de Joshua Logan, y de su filmografía destacan “Hojas de otoño”, de Robert Aldrich con Joan Crowford; “Los desnudos y los muertos”, de Raoul Walsh, basada en la novela de Norman Mailer; “Underworld U.S.A.”, de Samuel Fuller; “Patrullero PT 109”, donde interpretaba a un joven Kennedy; “The Best Man”, de Franklin J. Schaffner, con guión de Gore Vidal y frente a Henry Fonda; “Mujeres en Venecia”, de Joseph L. Mankiewicz; “Comando en el mar de China”, de Robert Aldrich; “Fascinación”, de Brian De Palma; y “Star 80” (1983), de Bob Fosse, donde interpretaba a Hugo Hefner. Sin embargo, el punto culminante de su carrera de fue 1969, cuando ganó el Oscar al Mejor Actor por “Charley”. Robertson dirigió y protagonizó dos películas, “J.W. Coop” (1971) y “The Pilot” (1980), y al final de su carrera volvió a recuperar fama al hacer del tío de Peter Parker en las películas de Spiderman de Sam Raimi (2002 – 2007).

«Misterios de Lisboa»

RAÚL RUIZ, también conocido como RAOUL RUIZ (25 de julio de 1941, Puerto Montt, Chile – 19 de agosto de 2011, París, Francia. 70 años). Director. Ruiz, que fue muy prolífico (entre documentales, cortos, series de televisión y largometrajes, dirigió 113 obras en 48 años de carrera), comenzó trabajando en su Chile natal, pero en cuanto Pinochet dio el golpe de Estado, se exilió a Francia, donde desarrolló el grueso de su carrera. Logró su máxima popularidad a partir de mediados de los 90, cuanto trabajó con actores de renombre: con Marcello Mastroianni en “Tres vidas y una sola muerte”; con Catherine Deneuve y Michel Piccoli en “Genealogías de un crimen”; con Deneuve, John Malkovich y Emmanuel Beart en “El tiempo recobrado”; con Isabelle Huppert en “La comedia de la inocencia”; y con Malkovich en “Klimt” (2006). Su última película fue la portuguesa “Misterios de Lisboa” (2010) y murió cuanto estaba trabajando en dos proyectos: “La noche de enfrente” y “As Linhas das Torres”.

 

KEN RUSSELL (3 de julio de 1927, Hampshire, Inglaterra, Reino Unido – 27 de noviembre de 2011, Londres, Inglaterra, Reino Unido. 84 años.). Director. Ken Russell fue famoso por lo polémico y extravagante que era su cine, y durante un tiempo se lo llegó a considerar el Fellini del norte, aunque ahora está claro que su legado es mucho menos importante que el de Fellini. Russell estuvo nominado al Oscar al Mejor Director por “Mujeres enamoradas” (1969), la película que lo consolidó y por la que Glenda Jackson ganó un Oscar. Del resto de su filmografía destacan “Los demonios”, “El novio”, “Tommy”, y “Viaje alucinante al fondo de la mente”. 

«El forajido»

JANE RUSSELL (21 de junio de 1921, Minnesota, EE.UU. – 28 de febrero de 2011, Santa María, California, EE.UU. 89 años). Actriz. La carrera de Jane Russell tuvo dos momentos cumbres: su debut, “El forajido” (1943), de Howard Hughes, aunque aquí lo que más llamó la atención fueron sus voluptuosos pechos, lo que provocó problemas con la censura (en “El aviador”, de Martin Scorsese, hay una parte muy divertida donde se recrea lo que pasó); y “Los caballeros las prefieren rubias” (1953), de Howard Hawks, donde era la morena que compartía pantalla con el huracán rubio Marilyn Monroe. Russell también trabajó con Bob Hope (“Rostro Pálido” y “El hijo de Rostro Pálido”), Robert Mitchum (“Las fronteras del crimen” y “Una aventura en Macao”, de Josef von Sternberg), Frank Sinatra y Groucho Marx (“Don Dólar”), Victor Mature y Vincent Price (“Sucedió en Las Vegas”), y Clark Gable (“Los implacables”, de Raoul Walsh). 

«Drácula»

JIMMY SANGSTER (2 de diciembre de1927, Gales, Reino Unido – 19 de agosto de 2011, Londres, Inglaterra, Reino Unido. 83 años). Guionista. Sangster fue el guionista más importante de la mítica Hammer durante su edad de oro. “La maldición de Frankenstein” (1957), “Drácula” (1958), “La momia” (1959), “Las novias de Drácula” (1960), “Drácula, príncipe de las tinieblas” (1966); todas dirigidas por Terence Fisher, todas con un guión de Sangster. Sangster también escribió para Seth Hoth (“El sabor del miedo”) y Freddie Francis (“El abismo del miedo”), y dos películas con Bette Davis: “A merced del odio”, de Hoth, y “El aniversario”, de Roy Ward Baker. Jimmy Sangster además de escribir, dirigió tres películas en los 70: “El horror de Frankenstein”, “Lust for a Vampire” y “Miedo en la noche”.

«El beso del vampiro»

DON SHARP (19 de abril de 1921, Tasmania, Australia – 14 de diciembre de 2011, Cornwall, Inglaterra, Reino Unido. 90 años). Director. Don Sharp salvó a la mítica Hammer de la quiebra económica en 1963 con “El beso del vampiro”, una película muy barata que fue un éxito y le consolidó como director. Para preparar ese trabajo, Sharp vio todas las películas que Terence Fisher había dirigido para la productora. Aunque Sharp sólo volvió a trabajar dos veces más con la Hammer (“The Devil-Ship Pirates”, con guión de Jimmy Sangster; y “Rasputín”) siguió haciendo películas de terror: “El regreso de Fu-Manchú”, “Las novias de Fu-Manchú”, ambas con Christopher Lee, o “Psychomania”, la última película de George Sanders. A finales de los 70 Sharp dirigió la tercera adaptación de “39 escalones” y la sexta de “Las cuatro plumas”; y en los 80 dirigió varias miniseries de televisión basadas en novelas de la escritora romántica Barbara Taylor Bradford. 

ELIZABETH TAYLOR (27 de febrero de 1932, Londres, Inglaterra, Reino Unido – 23 de marzo de 2011, Los Ángeles, California, EE.UU. 79 años). Actriz. La última gran estrella del Hollywood dorado que nos deja (quedan las hermanas Joan Fontaine y Olivia de Havilland, pero nunca llegaron a tener la popularidad de Liz), Elizabeth Taylor comenzó siendo una actriz infantil que actuaba en películas de Lassie (“La cadena invisible” o “El coraje de Lassie”) que hizo la mejor transición a actriz adulta de la historia. En su apogeo, los años 50 y 60, Liz era famosa por su belleza, su talento y su movidita vida privada, que a veces era tan movidita que tapaba a la actriz. De las 8 veces que se casó, destacan el matrimonio con Eddie Fisher de 1959 a 1964 (Fisher era marido de su amiga Debbie Reynolds, hasta que se Fisher enamoró de Liz y se separó de Reynolds para casarse con Taylor. Por algún extraño motivo, Debbie Reynolds y Liz Taylor dejaron de ser amigas) y los dos con Richard Burton (de 1964 a 1974 y de 1975 a 1976), del que se enamoró en el rodaje de la mastodóntica y estupenda “Cleopatra” (1963), de Joseph L. Mankiewicz. Liz Taylor ganó 2 Oscars (“Una mujer marcada” y “¿Quién teme a Virginia Woolf”, de Mike Nichols) y estuvo nominada en otras 3 ocasiones (“El árbol de la vida”, de Edward Dmytryk, “La gata sobre el tejado de zinc”, de Richard Brooks, y “De repente, el último verano”, de Joseph L. Mankiewicz). También apareció en “Mujercitas” de Mervyn LeRoy; “El padre de la novia” y “El padre es abuelo”, ambas de Vincente Minelli; “Un lugar en el sol” y “Gigante”, ambas de George Stevens; y “Reflejos en un ojo dorado”, de John Huston. A partir de los mediados de los 70 trabajó mucho menos en el cine y apareció de vez en cuando en el teatro y la televisión.

«Bullit»

 

PETER YATES (24 de julio de 1929, Hampshire, Inglaterra, Reino Unido – 9 de enero de 2011, Londres, Inglaterra, Reino Unido. 81 años). Director. Peter Yates estuvo 4 veces nominado al Oscar: a Mejor Director y Mejor Película por “El relevo” (1979), y en esas mismas categorías por “La sombra del actor” (1983). Sin embargo, su trabajo más famoso es “Bullit” (1968), un thriller con Steve McQueen que consolidó la carrera de Jacqueline Bisset y que tiene una célebre persecución por las calles de San Francisco. Al principio de su carrera, Yates dirigió varios episodios de la serie “El Santo”, con Roger Moore.

York en «Un hombre para la eternidad»

SUSANNAH YORK (9 de enero de 1939, Londres, Inglaterra, Reino Unido – 15 de enero de 2011, Londres, Inglaterra, Reino Unido. 72 años). Actriz. York participó en una serie de éxitos británicos en los 60 que, junto a su belleza, la hicieron muy famosa: “Whisky y gloria”, “Tom Jones”, de Tony Richardson, “Un hombre para la eternidad”, de Fred Zinnemann, y “La batalla de Inglaterra”. Por “Danzad, danzad, malditos”, de Sydney Pollack, York estuvo nominada al Oscar y al Globo de Oro y ganó el BAFTA a Mejor Actriz Secundaria. También apareció en “Freud, pasión secreta”, de John Huston; “Images”, de Robert Altman, por la que ganó el premio a Mejor Actriz en Cannes, y “El grito” (1978), de Jerzy Skolimowski. En las películas de Superman con Christopher Reeves hizo de su madre biológica.Fotografía de Pedro Armendáriz Jr.: Óscar Delgado (Creative Commons. Attribution 2.0 Genetic)
Fotografía de John Barry: Geoff Leonard (Creative Commons. Attribution-ShareAlike 1.0 Genetic)
Fotografía de Annie Girardot: Georges Biard (Creative Commons. Attribution-ShareAlike 3.0 Unported)
Fotografía de Ken Russell: DiVicenzo (Creative Commons. Attribution-ShareAlike 1.0)